La película arranca con un engaño. Viktor habla directamente a cámara haciendo un pequeño resumen de la vida de su esposa Eva que, visiblemente emocionada, escribe mientras tanto una carta en el fondo de la habitación. El que parece que va a ser el protagonista de la historia actúa como mero introductor de una película en la que va a pasar a un segundo plano, siendo omitido en la tormenta que se levantará más tarde.

Sonata de otoño presenta la lucha de una madre y su hija. Eva y Charlotte. La primera es una abnegada cuidadora con una inseguridad infantil, la segunda una reconocida pianista que lleva años cosechando éxitos. Como buena artista es vanidosa y egoísta, tras aceptar la invitación de su hija y encontrarse con ella sólo sabe hablar de sí misma. Aun así los abrazos y las palabras amables consiguen llenar de calor la relación entre las dos mujeres, que se miran emocionadas en silencio. No durará mucho. Esperando para cenar Charlotte pensará entre cigarrillo y cigarrillo el motivo por el que ya no puede calmar a Helena, que padece una grave enfermedad. Mientras tanto, Eva entra y sale de la cocina bromeando con su marido sobre el enorme ego de su madre. El piano del salón desencadena la odiosa verdad que sacudirá la relación entre hija y progenitora. La noche provoca a la ira y al recuerdo, y en la oscuridad del cuarto el amor no encuentra lugar. La constante ausencia de Charlotte en la niñez de Eva tiene consecuencias en el presente, pero también su compañía resultaba molesta. La memoria de la chica que solo quería parecerse a su madre permanece y permanecerá eternamente dañada. Las lágrimas descubren el silencio guardado desde hace tantos años, los gritos fraternos destrozan por dentro. Batalla sin sangre pero con un muerto relevante: el cariño.

Ingmar Bergman filma la eterna ruptura de una familia como nadie sabe. El ojo del maestro sueco presenta una agudeza terrible, aguantando el plano hasta que uno se encuentra perdido en la claridad de los ojos de Eva. La iluminación que en algunos momentos parece homenajear al tenebrismo de Caravaggio consigue dotar de significado a la cámara que se sitúa lejos de las dos mujeres heridas. Una de las mejores películas que he tenido el placer de  ver.

Pablo Gracia Salinas

La película arranca con un engaño. Viktor habla directamente a cámara haciendo un pequeño resumen de la vida de su esposa Eva que, visiblemente emocionada, escribe mientras tanto una carta en el fondo de la habitación. El que parece que va a ser el protagonista de la historia actúa como mero introductor de una película en la que va a pasar a un segundo plano, siendo omitido en la tormenta que se levantará más tarde.

Sonata de otoño presenta la lucha de una madre y su hija. Eva y Charlotte. La primera es una abnegada cuidadora con una inseguridad infantil, la segunda una reconocida pianista que lleva años cosechando éxitos. Como buena artista es vanidosa y egoísta, tras aceptar la invitación de su hija y encontrarse con ella sólo sabe hablar de sí misma. Aun así los abrazos y las palabras amables consiguen llenar de calor la relación entre las dos mujeres, que se miran emocionadas en silencio. No durará mucho. Esperando para cenar Charlotte pensará entre cigarrillo y cigarrillo el motivo por el que ya no puede calmar a Helena, que padece una grave enfermedad. Mientras tanto, Eva entra y sale de la cocina bromeando con su marido sobre el enorme ego de su madre. El piano del salón desencadena la odiosa verdad que sacudirá la relación entre hija y progenitora. La noche provoca a la ira y al recuerdo, y en la oscuridad del cuarto el amor no encuentra lugar. La constante ausencia de Charlotte en la niñez de Eva tiene consecuencias en el presente, pero también su compañía resultaba molesta. La memoria de la chica que solo quería parecerse a su madre permanece y permanecerá eternamente dañada. Las lágrimas descubren el silencio guardado desde hace tantos años, los gritos fraternos destrozan por dentro. Batalla sin sangre pero con un muerto relevante: el cariño.

Ingmar Bergman filma la eterna ruptura de una familia como nadie sabe. El ojo del maestro sueco presenta una agudeza terrible, aguantando el plano hasta que uno se encuentra perdido en la claridad de los ojos de Eva. La iluminación que en algunos momentos parece homenajear al tenebrismo de Caravaggio consigue dotar de significado a la cámara que se sitúa lejos de las dos mujeres heridas. Una de las mejores películas que he tenido el placer de  ver.

Pablo Gracia Salinas

Sinopsis: ¿En qué condiciones se tortura en España? ¿Por qué cuesta tanto denunciarlo? ¿Qué consecuencias tiene para las víctimas y para quienes vulneran la ley? Víctimas, abogados, jueces, policías, defensores de los derechos humanos y otros expertos analizan sus causas y apuntan posibles vías de superación de una lacra que pone en entredicho nuestro Estado de derecho.

Torturas, malos tratos y otras vulneraciones de derechos humanos se siguen produciendo hoy en el Estado español por parte de funcionarios públicos encargados de la custodia de detenidos y penados. La violencia institucional más cruda y atroz se esconde tras una verdadera cifra negra, un abismo al que se asoma este documental a través de 30 casos contados en primera persona.

 Trailer: https://www.youtube.com/watch?v=b_MLylcUirc

En el otoño de 1978, cuando la estancia en Múnich por problemas fiscales en Suecia se había vuelto insoportable para Bergman, nace el germen de Fanny y Alexander. Entonces anota en su diario: «Ya no hay proporción entre mi angustia y la realidad que la produce. De todas formas creo que sé cuál es la próxima película que quiero hacer. Es diferente a todo lo que he hecho hasta ahora». ¿Y en qué consiste esta esencial diferencia, esta abrupta ruptura? Volvamos a su diario: «Jugando puedo vencer la angustia, aliviar las tensiones y derrotar la destrucción. Por fin quiero dar forma a la alegría que, a pesar de todo, llevo dentro de mí y a la que tan rara vez y tan vagamente doy vida en mi trabajo. El poder describir la fuerza de actuar, la vitalidad, la bondad. Sí, no estaría mal por una vez».

El espectador familiarizado con la obra del director comprenderá la piedra de toque que supone por tanto esta película. Después de casi cuarenta años rodando la angustia humana, sentimos ahora una brisa de esperanza, y viene de la mano de la infancia. Son dos hermanos, Fanny Ekdahl (Pernilla Alwin) y Alexander (Bertil Guve) las puertas de entrada a un mundo onírico, donde las fronteras entre realidad y ficción se difuminan. Para ello emplea Bergman constantes alusiones autobiográficas a su niñez, por ejemplo el teatro de marionetas con el que se abre la película, la fabulación de historias que se insertan en el tejido de la vigilia, la linterna mágica, etc. El lector puede darse cuenta ya de algo extraño. Un señor de unos 63 años rodó en 1981 el sueño de ser niños. La magia del cine le permitió hacerlo, y solo podemos estar agradecidos.

De todas formas, los momentos de pena y gravedad también tienen su lugar en la película (no puede faltar la sinceridad en una obra maestra), sobre todo en las escenas que giran alrededor del matrimonio entre Emelie Ekdahl (Ewa Fröling) y el obispo Edvard Vergérus (Jan Malmsjö). Pero en general se respira un ambiente de cariño. La familia Ekdahl se protege los unos a los otros, están emparentados vitalmente con el teatro, y sus celebraciones son un canto de alegría. En concreto son dos grandes fiestas familiares las que abren y cierran la película. En la primera se celebra la navidad y en la segunda el nacimiento del hijo de Emelie. En ambas abundan las carcajadas, y lo que es triste se visualiza desde un punto risueño y optimista. Esta intención de filmar la cara más brillante de la vida se encarna con especial claridad en el monólogo de Gustav Adolf Ekdahl (Jarl Kulle) cerca del final de la película, con el recién nacido en brazos, y que no olvidará el espectador en sus días más grises. Además el predominio de mujeres en la familia, conociendo la pasión que sentía Bergman por sus interpretaciones en pantalla, ya es un gesto suyo para embellecer la historia. En concreto destaca Ewa Fröling que lleva el papel más dramático, y Gunn Wållgren en su papel de Helena Ekdahl, la abuela sensible y coqueta que no nos cansamos de ver en pantalla. Por otra parte, la soberbia interpretación de Erland Josephson como el judío Isak, amante de la abuela, es un estilo que nos ha llegado tras toda una vida en el cine y en el teatro.

En definitiva, esta es una obra única, solitaria, pionera tanto en la filmografía de Bergman como en el marco del cine. Y aunque realizó algunos largometrajes más, podemos decir que se trata de la última película del director, el cual, eso sí, no pudo evitar la tentación de continuar varios años más en el teatro. Me queda recomendar al espectador cuando salga con la mirada radiante de la sala, que existe una versión más larga de Fanny y Alexander para la televisión, de unas cinco horas de duración, que ampliará esa atmósfera de claridad que le acompañará a partir de esta proyección. JULIO BELTRÁN VELAMAZÁN