La película transcurre en un solo escenario: un teatro parisino en el que un director teatral, Thomas (Mathieu Amalric, que guarda un considerable parecido físico con el propio Polanski de joven y que podría considerarse su álter ego), está buscando a una actriz para su adaptación de La venus de las pieles, la novela de Leopold Van Sacher-Masoch que dio pie al concepto del sadomasoquismo. La última candidata en aparecer es Vanda (Sagnier), que llega bajo el signo de una tormenta para sabotear el escenario. El intercambio verbal entre los dos personajes (los únicos del film) ocupará todo el relato, en el que ambos declamarán extractos de la obra de Thomas y dialogarán entre sí, ya sea comentando la pieza teatral o advirtiendo sus similitudes con sus vidas personales. El tono del film es juguetón y la cámara de Polanski saca partido a un espacio y a unos intérpretes entregados. Cuando emerge la perversidad, los decorados (¡pertenecientes a un western acartonado!) y la iluminación son los grandes aliados de una puesta en escena minimalista, que se adapta a las actitudes cambiantes de los personajes. Uno de los mayores atractivos de la película está en el trabajo con la palabra. No solo es bello escuchar declamar a los dos actores, sino que también es estimulante ver cómo Vanda cuestiona varias de las frases del texto de la obra de teatro y descubre los deseos ocultos de su autor escondidos bajo un vocabulario elevado. La sugerente música de Alexandre Desplat, la irrupción del erotismo y la reflexión sobre el papel mítico de Venus dan todavía más fuerza a este film notable, que permite reencontrarnos con la turbiedad de Polanski, y que fue ovacionado en Cannes.

Ricardo Aldarondo en Dirigido por nº 434 (Crónica Festival Cannes 2013)

Trailer:https://www.youtube.com/watch?v=xFgUSkB6m0Q 

Es conocida la formación de Ernst Lubitsch como actor teatral en la compañía de Max Reinhardt, sus principios como actor-director y que en el rodaje, para dirigir el trabajo de sus actores, acostumbraba a representar todos sus personajes. Con este desusado amor por los actores no sorprende un film como To be or not to be, que es una muestra de su admiración por ellos, incluso en su vanidad, su cabezonería o el insufrible vedettismo en todas las circunstancias como la inefable aparición de Carole Lombard, en una obra anti-nazi en la que debe interpretar a una prisionera de un campo de concentración, con vestido de noche...

Desde el actor que tiene un parecido con Hitler y que debe interpretar al dictador, al que sólo desea declamar un soliloquio de Shakespeare y lo hará al ser detenido por la Gestapo, desde el que sobreactúa y le deben hacer bajar el tono hasta el insufrible y vanidoso Tura, que al entrevistarse con un jerarca nazi local no puede evitar preguntarle qué pensaba de él como actor pare recibir la respuesta de que hacía con Shakespeare «lo mismo que nosotros con Varsovia». En el estreno americano del film, aún recientes las noticias del salvajismo con que se destrozó la capital, a nadie le hizo ninguna gracia este gag. Medio siglo después, la burla de la vanidad del actor se sobrepone al horror.

La complejidad de su estructura basada en la representación y el sentido de equivalencia entre el teatro y la vida, la sátira feroz del nazismo la convierten en una joya.

Antonio José Navarro en Dirigido por nº 237 (Especial 100 años de cine)

Trailer: https://www.youtube.com/watch?v=m_aYJzY0dMg

CHÉJOV. GREGORY, MAMET y MALLE: LA ALQUIMIA PARA UNA OBRA DE ARTE

A finales de 1991, André Gregory invitó a un grupo de personas, unas 20 ó 30, a ver una puesta en escena de "Vania" en el Teatro Victoria, un decadente palacio que funcionaba como sala cinematográfica, en Times Square. Los actores estaban vestidos con sus propias ropas. El decorado estaba formado simplemente por unas grandes mesas y sillas, diseñado por Eugene Lee.  El público se acomodó en el escenario, como una parte más del atrezzo, y después de cada acto Gregory les pedía que cogieran sus sillas y las trasladaran a otra parte del teatro, donde se desarrollara el siguiente acto. Desde el principio, el público se convirtió en una cámara en primer plano. Debido a las características intrínsecas de la producción, parecía más una película que una obra de teatro. Gregory creó un enorme interés en la representación.

Muchos fueron los que quisieron asistir a estas sesiones privadas. Había una ecléctica mezcolanza de gente en las representaciones: estudiantes, amigos, colegas y conocidos profesionales de la escena y el cine, entre ellos Louis Malle, Jerome Robbins, Richard Avedon, Susan Sontag, Mike Michols y Robert Altman. La reacción del público ante esta inusitada experiencia fue abrumadora.

En 1992, la actriz Ruth Nelson que interpretaba a la Tata Marina, murió a los 89 años. Gregory conmocionado, dijo que no podrían continuar sin ella. Pasó un año. Wallace Shawn se dio cuenta de que la obra se estaba echando a perder. Pidió a Gregory que la retomara y al mismo tiempo comenzaron a tener en cuenta la posibilidad de filmar el montaje con Louis Malle, quien previamente les había dirigido en Mi cena con André.

El Teatro Victoria no estaba en disposición para rodar, pero Cora Gerstein, una de las encargadas del proyecto de la Calle 42, les sugirió otra posibilidad: El New Amsterdam, también en la calle 42. Fueron a verlo y se encontraron con que cada rincón estaba completamente cubierto de polvo y telarañas de décadas de negligencia, "una completa ruina" dijo Gregory, "nos enamorarnos de él inmediatamente". El diseñador Eugene Lee arrancó las  butacas de platea y construyó una plataforma en el lado del auditorio. Eligió algunos accesorios de época para rememorar la última década del siglo pasado en la que se desarrolla la acción de la obra, pero al mismo tiempo intentó mantener una referencia a la realidad de 1994, manteniendo por ejemplo las tazas de café con el eslogan: "I Love New York".

Mientras tanto, Louis Malle convenció a Fred Berner para que emprendiera la producción. El guión de David Mamet a partir de su célebre adaptación de la obra de Chéjov aseguraba un texto único por su calidad, precisión y actualidad.

Estructurada como un ensayo bajo la dirección de André Gregory, entramos en el fascinante y complejo mundo del Tío Vania de Chéjov. Llegamos al ajado y semiderruido New Amsterdam Theatre en la calle 42 de Broadway. Estamos en un teatro... pero no es una obra. Los actores y sus personajes salen a escena y los ensayos comienzan. Gracias a la dirección conjunta de Louis Malle y André Gregory, Chéjov es una realidad.

Tío Vania indaga en la dinámica de la atracción humana, el deseo y el amor, amor que, desde el punto de vista de Chéjov, tiende a terminar siendo o comprometido o innecesario -pero en cualquier forma frustrado-. La adaptación de Mamet profundiza en la complejidad de las relaciones humanas, haciendo de su texto una versión más accesible y contemporánea y ampliando los aspectos más íntimos dentro de un proceso de exploración e introspección del mundo chejoviano que lo hace vivo y actual.

La producción de André Gregory, se centraba en las interacciones entre los actores y él mismo como director. Por medio de la integración de estos componentes ensayísticos en la obra original, a partir de aquí deconstruye y reestructura Tío Vania de nuevo, según sus propios recursos creativos.

Durante los ensayos, Louis Malle observaba a los actores y pensaba cómo podría captar con una cámara la intimidad, la cercanía y la profundidad de los sentimientos que expresaban. No podía aún darse cuenta de que con su película trascendería el teatro, el cine y una vía experimental intermedia para ofrecernos una obra sin precedentes, única. Mágica y tan sorprendente como inigualablemente humana. Una obra de arte: Vania en la calle 42.

Trailer: https://www.youtube.com/watch?v=ooVAo8FIpXw

La película transcurre en un solo escenario: un teatro parisino en el que un director teatral, Thomas (Mathieu Amalric, que guarda un considerable parecido físico con el propio Polanski de joven y que podría considerarse su álter ego), está buscando a una actriz para su adaptación de La venus de las pieles, la novela de Leopold Van Sacher-Masoch que dio pie al concepto del sadomasoquismo. La última candidata en aparecer es Vanda (Sagnier), que llega bajo el signo de una tormenta para sabotear el escenario. El intercambio verbal entre los dos personajes (los únicos del film) ocupará todo el relato, en el que ambos declamarán extractos de la obra de Thomas y dialogarán entre sí, ya sea comentando la pieza teatral o advirtiendo sus similitudes con sus vidas personales. El tono del film es juguetón y la cámara de Polanski saca partido a un espacio y a unos intérpretes entregados. Cuando emerge la perversidad, los decorados (¡pertenecientes a un western acartonado!) y la iluminación son los grandes aliados de una puesta en escena minimalista, que se adapta a las actitudes cambiantes de los personajes. Uno de los mayores atractivos de la película está en el trabajo con la palabra. No solo es bello escuchar declamar a los dos actores, sino que también es estimulante ver cómo Vanda cuestiona varias de las frases del texto de la obra de teatro y descubre los deseos ocultos de su autor escondidos bajo un vocabulario elevado. La sugerente música de Alexandre Desplat, la irrupción del erotismo y la reflexión sobre el papel mítico de Venus dan todavía más fuerza a este film notable, que permite reencontrarnos con la turbiedad de Polanski, y que fue ovacionado en Cannes.

Ricardo Aldarondo en Dirigido por nº 434 (Crónica Festival Cannes 2013)

Trailer:https://www.youtube.com/watch?v=xFgUSkB6m0Q 

Es conocida la formación de Ernst Lubitsch como actor teatral en la compañía de Max Reinhardt, sus principios como actor-director y que en el rodaje, para dirigir el trabajo de sus actores, acostumbraba a representar todos sus personajes. Con este desusado amor por los actores no sorprende un film como To be or not to be, que es una muestra de su admiración por ellos, incluso en su vanidad, su cabezonería o el insufrible vedettismo en todas las circunstancias como la inefable aparición de Carole Lombard, en una obra anti-nazi en la que debe interpretar a una prisionera de un campo de concentración, con vestido de noche...

Desde el actor que tiene un parecido con Hitler y que debe interpretar al dictador, al que sólo desea declamar un soliloquio de Shakespeare y lo hará al ser detenido por la Gestapo, desde el que sobreactúa y le deben hacer bajar el tono hasta el insufrible y vanidoso Tura, que al entrevistarse con un jerarca nazi local no puede evitar preguntarle qué pensaba de él como actor pare recibir la respuesta de que hacía con Shakespeare «lo mismo que nosotros con Varsovia». En el estreno americano del film, aún recientes las noticias del salvajismo con que se destrozó la capital, a nadie le hizo ninguna gracia este gag. Medio siglo después, la burla de la vanidad del actor se sobrepone al horror.

La complejidad de su estructura basada en la representación y el sentido de equivalencia entre el teatro y la vida, la sátira feroz del nazismo la convierten en una joya.

Antonio José Navarro en Dirigido por nº 237 (Especial 100 años de cine)

Trailer: https://www.youtube.com/watch?v=m_aYJzY0dMg

CHÉJOV. GREGORY, MAMET y MALLE: LA ALQUIMIA PARA UNA OBRA DE ARTE

A finales de 1991, André Gregory invitó a un grupo de personas, unas 20 ó 30, a ver una puesta en escena de "Vania" en el Teatro Victoria, un decadente palacio que funcionaba como sala cinematográfica, en Times Square. Los actores estaban vestidos con sus propias ropas. El decorado estaba formado simplemente por unas grandes mesas y sillas, diseñado por Eugene Lee.  El público se acomodó en el escenario, como una parte más del atrezzo, y después de cada acto Gregory les pedía que cogieran sus sillas y las trasladaran a otra parte del teatro, donde se desarrollara el siguiente acto. Desde el principio, el público se convirtió en una cámara en primer plano. Debido a las características intrínsecas de la producción, parecía más una película que una obra de teatro. Gregory creó un enorme interés en la representación.

Muchos fueron los que quisieron asistir a estas sesiones privadas. Había una ecléctica mezcolanza de gente en las representaciones: estudiantes, amigos, colegas y conocidos profesionales de la escena y el cine, entre ellos Louis Malle, Jerome Robbins, Richard Avedon, Susan Sontag, Mike Michols y Robert Altman. La reacción del público ante esta inusitada experiencia fue abrumadora.

En 1992, la actriz Ruth Nelson que interpretaba a la Tata Marina, murió a los 89 años. Gregory conmocionado, dijo que no podrían continuar sin ella. Pasó un año. Wallace Shawn se dio cuenta de que la obra se estaba echando a perder. Pidió a Gregory que la retomara y al mismo tiempo comenzaron a tener en cuenta la posibilidad de filmar el montaje con Louis Malle, quien previamente les había dirigido en Mi cena con André.

El Teatro Victoria no estaba en disposición para rodar, pero Cora Gerstein, una de las encargadas del proyecto de la Calle 42, les sugirió otra posibilidad: El New Amsterdam, también en la calle 42. Fueron a verlo y se encontraron con que cada rincón estaba completamente cubierto de polvo y telarañas de décadas de negligencia, "una completa ruina" dijo Gregory, "nos enamorarnos de él inmediatamente". El diseñador Eugene Lee arrancó las  butacas de platea y construyó una plataforma en el lado del auditorio. Eligió algunos accesorios de época para rememorar la última década del siglo pasado en la que se desarrolla la acción de la obra, pero al mismo tiempo intentó mantener una referencia a la realidad de 1994, manteniendo por ejemplo las tazas de café con el eslogan: "I Love New York".

Mientras tanto, Louis Malle convenció a Fred Berner para que emprendiera la producción. El guión de David Mamet a partir de su célebre adaptación de la obra de Chéjov aseguraba un texto único por su calidad, precisión y actualidad.

Estructurada como un ensayo bajo la dirección de André Gregory, entramos en el fascinante y complejo mundo del Tío Vania de Chéjov. Llegamos al ajado y semiderruido New Amsterdam Theatre en la calle 42 de Broadway. Estamos en un teatro... pero no es una obra. Los actores y sus personajes salen a escena y los ensayos comienzan. Gracias a la dirección conjunta de Louis Malle y André Gregory, Chéjov es una realidad.

Tío Vania indaga en la dinámica de la atracción humana, el deseo y el amor, amor que, desde el punto de vista de Chéjov, tiende a terminar siendo o comprometido o innecesario -pero en cualquier forma frustrado-. La adaptación de Mamet profundiza en la complejidad de las relaciones humanas, haciendo de su texto una versión más accesible y contemporánea y ampliando los aspectos más íntimos dentro de un proceso de exploración e introspección del mundo chejoviano que lo hace vivo y actual.

La producción de André Gregory, se centraba en las interacciones entre los actores y él mismo como director. Por medio de la integración de estos componentes ensayísticos en la obra original, a partir de aquí deconstruye y reestructura Tío Vania de nuevo, según sus propios recursos creativos.

Durante los ensayos, Louis Malle observaba a los actores y pensaba cómo podría captar con una cámara la intimidad, la cercanía y la profundidad de los sentimientos que expresaban. No podía aún darse cuenta de que con su película trascendería el teatro, el cine y una vía experimental intermedia para ofrecernos una obra sin precedentes, única. Mágica y tan sorprendente como inigualablemente humana. Una obra de arte: Vania en la calle 42.

Trailer: https://www.youtube.com/watch?v=ooVAo8FIpXw